Trovadicta L.A.

Los Gritos del espacio Publico

2006-12-19T09:17:00.000-08:00

Es así como, Johanna Montero Matamoros, propone su
proyecto de intervenciones en el espacio público.
Gritos es un proyecto que se caracteriza por la
utilización de mensajes e iconografías abstractas de
diseños geométricos que se conjugan entre la imagen
y el paisaje urbano, pero mas significativo aun
resulta el contenido de estos mensajes en los que se
inscriben la declaración de los derechos humanos.
Este vinculo de recursos de lo visual en contraste
con el mensaje, son una primera instancia lo que
denominamos graffiti, sin embargo en términos de
apropiación del espacio como eje del mensaje del
discurso visual y su dialéctica publica, nos
encontramos con una determinada postura que ejerce
sobre el proceso y la trayectoria del proyecto su
función política. En este sentido, los espacios en
los que se han desplazado los mensajes de estas
declaraciones, no solo corresponden al territorio
geográfico propiamente dicho, sino que también,
traducen la especificidad de su intención política
dentro del ámbito social que estos representan una
vez instalados. Gritos, es propuesta de secuencia
con los procesos que la artista ha explorado durante
su trayectoria en proyectos anteriores. La memoria
colectiva, la experiencia humana y el tránsito son
algunas de las narrativas exploradas por Johanna
Montero M. y que en este ultimo ejercicio pone en
manifiesto el estado de trasciendencia por la
existencia humana, en momentos en que vivimos una
alta inseguridad ciudadana.

El amanecer alucinante

2006-12-15T07:03:00.000-08:00

Me regresé para tomar esta foto que debido a la maldita falta de luz no salió muy buena, pero como toda la noche había llovido, el vapor de agua subía al cielo, al fondo se miraba Nueva Suyapa, con destellos plateados y a la izquierda la Basílica de Suyapa.
Toda la pobrería y la supertición juntas para dar un espectáculo sin igual.

Mario de Mezapa, Cantautor escencia

2006-12-14T14:55:00.000-08:00

Por Guillermo Anderson

Estoy en el estudio de Musica Del Sol en San Pedro Sula , en la cabina esta Mario de Mezapa, grabando un tema que considero es un clásico desconocido de la canción hondureña, me refiero a su canción "El Cadejo". De alguna forma, Max Urso logro convencerlo para que dejara un tiempo libre de su trabajo en el Instituto Nacional Agrario para hacer después de todos estos años un disco digno de su talento y trayectoria. Mario de Mezapa es un poeta , un intelectual que sigue siendo muy fiel a su origen campesino. Pero especialmente Mario es un Cantautor. Yo lo considero el cantautor esencia y esencial de este pais.

Mario comenzó su actividad como cantautor en los años setenta. Para entonces ya era un activista de los movimientos campesinos mas importantes del pais. Conocedor de la historia de la reforma agraria, Mario ha vivido en carne propia las luchas, las victorias y derrotas del campesinado hondureño. Por suerte el camino cuesta arriba no lo ha hecho soltar la guitarra para suerte de todos nosotros. Tampoco ha dejado a un lado su característico buen humor . En las canciones de Mario estan vivos los mitos y leyendas tradicionales del campo, la pobreza y las pequenas alegrias de los que sobreviven en la he pobreza rural de nuestro pais. Es a traves de Mario que conocemos a una familia que vive en el "Cucurucho de Aquella Montana" y las luchas de las varias Marias Llenas de Gracia. Las Marias de la tierra. Sus canciones huelen a tierra y a sudor, a guamil y a tortilla recien hecha.

Me entusiasma saber que después de tanta promesa y tanta grabación a medias, se le esté haciendo sonora justicia a sus canciones. Una vez este listo el CD escribiré un poco mas acerca de Mario, que por las canciones que destila su vida en el campo y junto a los mas humildes, merece un lugar muy alto en la historia de la musica popular de Honduras.

Pueden revisar este artículo en su página original (y leer muchas cosas más) en La Bitácora de Guillermo Anderson.

Mr. Polache habla espanol

2006-12-14T08:03:00.000-08:00

Aunque Paul Hughes (Polanche) se mira serio, sus canciones hablan del desparpajo, en ellas no hay lugar para el sinsonte, los rápidos faunos y las otras criaturas de la fauna de los trovadores. Tan certero como Mario de Mezapa, sus canciones se pueblan de los rapiditos, de las baleadas chucas de arriba o de abajo de la línea, del amor tropical o de la mounstruosa suegra, animal antielfos que puebla las casas de las amadas amantes.

Su propuesta musical es desenfadada e irrespetuosa, se mete por la ventana sin pedir permiso, desde que escuchás “Principe Soñado” te das cuenta que te fuiste con la canción para tu casa. Siempre me he preguntado el porqué “Yo hablo español” no está en la radios, tal vez será por lo que dice Guillermo Anderson, “no está en las listas de la música vía Miami de las casas disqueras”.

De todas maneras al escuchar la rola, como se dice en el Barrio, me quedé prendada de ella, sé que si MTV no quedara en otro planeta , la estaríamos bailando en todas las discotecas.
F. Thrumman
www.trovadictamanager.50megs.com

Mr. Hughes habla español

Quien vive en esas cumbres imposibles

2006-12-05T17:04:00.000-08:00

La tan ansiada y temida postmodernidad del mundo le trajo a Tegucigalpa nuevas Alturas y partos aéreos.
edificios imposibles que no hacen juego con la pobrería se yerguen como falos erectos en la lotananza citadina.

Apartamentos de 2,000 o 3,000 dólares en una país donde el ingreso percápita apenas puede costear un par de tortillas sin entrañas.Nuevos ricos aparecen de la noche a la mañana, las fronteras se abren cual prostituta callejera o cartera de politico de turno.

Quiénes viven en estas Alturas?, Quiénes son los maravillosos elfos que despegan de estos balcones hacia la noche de Tegucigalpa; asesores comedólares, yupis de ONG’s, Observadores de la democracia, vampiros inversionistas, pedófilos suigéneris, todos los que quieren salvar a Honduras eliminando a los Hondureños, esa rara raza de seres de un dulce abismo.

Cinema Clamer

2006-11-27T15:56:00.000-08:00

Esta muerto y frente a su cripta hay un hombre que vende cajas vacías de ausentes puros de desconocido pedigrí, hay otro que ofrece repuestos de estufas y como esperando que algún día lo reinauguren, al final está la siempre presente chiclera, con la misma mujer que vió nacer y morir el último cine de Palco y Luneta de Tegucigalpa A finales de los 60, vivíamos en Comayaguela, exactamente al lado de la Barbería el Pueblo. Todos los sábados, a la una de la tarde iniciábamos la caminata al cine, pasabamos frente al reloj inmóvil de la Escuela Lempira, entrabamos a la Iglesia de la Inmaculada Concepción para dar las correspondientes gracias, salíamos al frescor del parque y sus jóvenes palmeras, nos deteníamos frente a la fachada de la Escuela de Bellas Artes y parejo seguíamos hasta el Puente Mallol. Ya en Tegucigalpa el misterio se acentuaba, estatuas de mármol, un edificio gigante en forma de radio y la suave pendiente que llevaba al mágico cine.

Antes del alcoholismo de mi padre toda mi infancia fue feliz, de su mano llegué a este cine a conocer las maravillas nacidas de los Hermanos Lumiere, su inolvidable vientre oscuro nunca dejó de inquietarme, en sus rincones misteriosos delfos alados de otros mundos nos miraban sin darnos cuenta, bajo la voladura de luneta que se proyectaba imposible hacia la mitad de la sala, las luces parecían estrellas cautivas en sus jaulas de cemento, en palco, la altura imperial de su perpectiva nos crecía como a gigantes e impunemente podíamos pegar un chicle, crear el milagro improbable de la lluvia de palomitas o validar la Ley de la Inercia de Newton con un escupitajo rampante y suicida. Para el que no le gustaba la música de Ray Conniff, era el lugar perfecto para pagar algún ominoso pecado. ¿Cuántas películas miré semiacostado en sus butacas?, de niño, de joven, de casi adulto, allí tomé la mano de Claudia y al oído le prometí cosas imposible, conocí la magia del sensurround, el misterio del Dolby y una nave interplanetaria bajó para cantarme una canción inolvidable. Ahora, su calaca valiente se enfrenta al destino, su estómago de tripas de hierro y plástico fue saqueado una y otra vez, su portón se resiste al futuro, pareciera que presintiera que algún pastor loco lo idealiza para sus estafas espirituales o que aguerridos mercaderes lo quieren convertir en un Mall moderno y sin alma.

En su crucigráfica pared su rótulo majestuoso de neón inerte vuela pese a toda maldición del tiempo, su último inquilino, un vampiro elegantemente peinado y de rojo humor, se pasea por su desolada estampa, juran los entendidos en fantasmas, aquelarres y espectros, que hay noches que la desnuda pared interna se baña con la luz del pasado y ante un dilecto público de zombies y cadáveres cinéfilos se proyectan los fotogramas de un pasado que no volverá, a menos que mueras y pidas regresar al Cine Clámer.

Si tienes fe podras ver un piano en altamar

2006-10-13T15:18:00.000-07:00

Es muy dificil desligarse del pasado y todo cuento comienza con el …Había una vez, por eso es inevitable masticar como papagayo los inicios, descuidando el presente y olvidando lo que todavía no ha pasado, pero los principios fueron los de siempre FENIX U” , “BRASS”, “COREA SINGER”, el camino obligado por el que debe transitar todo aquél que tiene algo que decir o huella que dejar; pormenores históricos que nos conducen al hombre actual, al animal noctivago, al gato de los tres nombres.

En cuestiones de música Camilo escogió el camino más largo, uno que viene de las estrictas enseñanzas armónicas de su padre, que pasa por los estudios de grabación INDICA en Costa Rica, que atraviesa homenajes musicales a ciudades, arreglos a canciones de autores nacionales como Ramón Velásquez García, Leoncio López Fiallos, Gilberto Zelaya y amoríos con el jazz que culminaron con cuartetos de corta vida y experimentos de cuerdas con sintetizadores en aquella casquivana ciudad de Tegucigalpa.

Como el Buen Salvaje de Russeau, no se le podía escapar la oportunidad de experimentar con las grandes obras y sus autores, así que por su piano pasó el Himno a la Alegría de Beethoven, las 4 estaciones de Vivaldi, La aria para la cuerda Sol de Bach y un sinúmero de obras de autores nacionales, todas con ese toque de jazz que siempre lo ha caracterizado. Como precursor de la primera orquesta semisinfónica del país “Cuerdas y Bronce” , Camilo Corea comenzó a experimentar con ritmos garífunas, elucubraciones` que culminaron en el escenario del Teatro Nacional con una interesantísima obra de carácter etnomusical llamada “La Creación” que pasó desapercibida o en su caso mal criticada por el público de esta Cártago en ruinas llamada Tegucigalpa. También como todo buen Dante, Camilo no se escapó a la máquina musical de la ortodoxia, atravesó el infierno del OTI con su piano cuál Virgilio , una y otra vez, para arreglar muchas veces malísimas canciones y pasar por la secadora y lo rulos de la teoría musical las bobas canciones de batey de compositores de sábado y domingo que una vez al año se convertía en los artistas de esa nueva Bizancio que comenzaba y terminaba en los escenarios del monopolio televisivo de esa época, mismo que a pesar de destruir lo que pretendía apoyar con mongólicos premios y adustas placas nunca pudo evitar que los arreglos Camilo Corea brillaran y le dieran singularidad a tan desgastado y cuestionado evento en los escenarios de Portugal, Buenos Aires, Venezuela y España, pese que al igual que Berlín después de la caída del nazismo, el Festival OTI se había convertido desde muchos años atrás en un cadáver exquisito.

Muchos grandes artístas nacionales e internacionales han pasado por su sombrilla músical: Gloria Janet, Guillermo Anderson, Oneyda Olivares, Moisés Canelas o Canelo (nunca comprenderemos ese misterio), Nacyda Marinakys, María Marta Serra Lima, Nelson Ned, Elizabeth Víctor Mendoza (vibrófono) y Jim Odgren (sax alto), por mencionar algunos. Ha tocado con cuanto grupo de jazz ha venido y se ha quedado sin pianista porque se le quedaron dos dedos en la puerta de un carro, ha amenizado fiestas de sordos y cumpleaños de magnates adictos al Bossa Nova, ha tenido que rendir su música ante ocurrentes creativos de agencia y hacer música de guerrilla para vender jabón, centros comerciales y jarabes para la tos, pero para maravilla de todos, lo único que no hizó fue dejar a atrás su vena de compositor y su inquebrantable fe en el santo de los imposibles que reina en la iglesia de lo improbable

En el diván del olvido

Jasper decía que “la verdad necesita Propaganda” y tenía más razon que un santo, esto a colación de escuchar una y otra vez el disco de Camilo “Aires de mi tierra”, un disco portentoso que no cabe en los entresijos de la común cofradía musical hondureña y que como todos los demás, duermen el olvido polvoso en los anaqueles de las radios nacionales esperando por aquel profeta gerencial que descubra lo que en otros países se descubrió hace más de un siglo“ sólo la identidad nacional vende en un mercado global carente de identidades” Grabado en el desaparecido e histórico estudio situado al pie de las gradas de la Fuente, GM Producciones a cargo de la Ing. Gabriela Gálvez, “Aires de mi tierra” camina con la particularidad de contener experimentos etnomusicales sobre temas muy poco discutidos como el xique, del cual hay muy poca investigación antropológica, salvo las recopilaciones de Rafael Manzanares y la misteriosa presencia sin pedigri del mismo en cuanto acto cívico se pueda imaginar en las escuelas públicas de Honduras.

El disco “Aires de mi Tierra”, es una viaje a traves de conflictos y vivencias que van desde la implementación del xique en su medida de 6/8 combinado con instrumentos no convencionales a cargo de Herbert Ríos y Guayo Cedeño, hasta la sinergia de ritmos garífunas con set tradicionales de percusiones, sin que estos caígan en conflictos; composiciones sumamente melódicas como A nuestra Señora, en la Lejanía un tema sumamente interesante por la inclusión del xique y de escalas no convencionales, la festiva y temporal Variaciones del Xique, la sentimental Aires de mi tierra y su introducción de piano que nos muestra el paisaje ideal de nuestra patria, el Moro Latino un tira y encoge que simboliza el encuentro de 2 ritmos , la contrastante Danza Nocturna y su mitología del dolor garífuna, reflejado en su pregón: Numa lalí noaé / lulagudú nigarigú / tida nuvá, el Sax Recordando lleno de tumbao de piano y armonías tropicales; Atardecer y su abrumante nostalgia; la infaltable Descargando y pa’variar como epitafio de tumba de muerto alegre para cerrar el disco.

Finalmente “Aires de mi tierra” es una feliz ocurrencia de nuestra identidad, un disco importante que no debe faltar en nuestra melómana colección de música, no es un disco que da pena comprarlo ni escucharlo, es una fiesta de nacionalidad mezclada con conocimiento que lamentablemente está alumbrando debajo de una cama, ojalá algún día se escuche en los colegios y escuelas, se le enseñe a los niños que la música nacional es algo más que el sueñito, que aparezca un maestro de música que finalmente lo saque de su eterna oscuridad, que en la radio en lugar de Daddy Yankee podamos escuchar este fabuloso disco que no tiene nada que ver con la gasolina, ese día nos daremos cuenta que la pregunta ¿Quiénes somos? comenzará a tener respuesta.

2006-10-05T17:54:00.000-07:00

Trovadicta reedita uno de los mejores trabajos de Joseph yeco. Basada en una exposición concierto la Casa de las Mariposas es una aventura sonora que nos lleva por diferentes tópicos y paisajes lúdicos del autor, conozaca más de este trabajo en www.Trovadictalatinoamerica.50megs.com

Trovadicta lanza ventana

2006-10-05T17:02:00.000-07:00

La Desconcertante vigencia

2006-10-05T10:56:00.000-07:00

"Las etiquetas tienden a crear estereotipos. El mercado de la música, disqueras y programadores de radio, tienden a ser inflexibles en sus caracterizaciones de artistas, y estas son transmitidas adoptadas por el publico. Cuando escribí Siembra, más allá de considerar el género en el que se desarrolla rítmicamente, lo importante para mí fue la letra de la canción. Pero el trabajo se clasificó como 'salsa' y por ende, se me etiquetó como 'salsero'. El problema creado por esta práctica fue doble. La gente que no estaba interesada en la salsa, por considerarla repetitiva y sin contenido, inmediatamente me pasó por alto. Los salseros ortodoxos me declararon herético, por no satisfacer sus expectativas de proveer más salsa; los más moderados han apreciado mi trabajo, por con sospecha. De nada vale para estos grupos que las canciones estén fundamentadas en la clave cubana, (Mundo, por ejemplo, tiene a Danny Boy en clave, pero no es considerado como 'salsa' por los 'entendiados'). Si la canción no tiene 'vientos', si no se apega a los patrones del esquema, si no los recuerda a los 'clasicos', entonces 'no sirve'. Las estupideces y estrecheces de criterio perjudican a cualquier músico. En mi caso, lo extraño es que las canciones han sobrevivido por tres décadas y continúan siendo adoptadas por las nuevas generaciones, a pesar de no recibir difusión radial constante, y de no ajustarse a las exigencias estereotipadas del mercado del disco. Más desconcertante aún, los músicos cubanos respetan y aplauden mi trabajo, y es de Cuba de donde surge la base de la salas neoyorquina, boricua, venezolana, columbiana, panameña o peruana ...".--Ruben Blades

2006-10-05T10:53:00.000-07:00

De la inspiración a la Grabación

Por Guillermo Anderson

Ha finalizado la grabación de otro disco. He grabado la ultima canción que va en él; En ese alivio que respiro cuando el productor me dice que lo que acabo de cantar “queda”, también hay un poco de nostalgia por el camino recorrido en esa segunda parte del viaje que allí termina; Por ahí leí que es cuando uno esta siendo creativo es cuando uno se siente mas vivo. Creo que todos los que hemos estado como equipo en una sesión de grabación nos identificamos con eso. Con lo intenso que es pintar sonidos, buscar matices y cantar sobre ese lienzo digital que significa hoy un estudio de grabación.Mucha gente me ha expresado su curiosidad por el procedimiento. Ese que va de la inspiración a la grabación, uno que en realidad no es difícil de explicar:Todo comienza con una idea, con una palabra, con una historia o situación; Los que nos dedicamos a este oficio tenemos una tendencia a interpretar las cosas que nos impresionan del mundo y de la vida a través de canciones. De manera que, una vez apuntada la idea inicial, grabada en una pequeña grabadora, en una servilleta o en un recibo de la luz camino al banco, pasamos a la primera y mas solitaria fase del proceso; Sentarnos frente al papel en blanco y en mi caso, a una guitarra y a un café a darle forma de canción.Para mí, componer es una mixtura extraña de sensaciones. Quizás a lo que más se acerca es al placer que deben sentir los aficionados a armar esos complicados rompecabezas de miles de piezas; A veces resulta muy fácil y las ideas fluyen con una ligereza que ha llegado a asustarme. Otras veces llego al punto de buscar cualquier excusa para no sentarme a la mesa de trabajo y enfrentar una canción que quizás tiene muy buenos cimientos y posibilidades pero que, como quien le ha dado vida a un ser que ya no puede controlar, me ha llevado a un atolladero del cual parece imposible salir.Si un concierto es un encuentro a veces pequeño, a veces masivo, un ritual donde se expresan tanto los artistas como el publico para sentirse acompañados, el acto de componer es todo lo opuesto. En ello estamos solos. Allí en esa soledad es donde nuestro trabajo mas se parece al de los escritores. Mucho se ha escrito sobre la soledad del escritor. Un oficio solitario. La diferencia está en que nosotros lo hacemos a sabiendas de que al finalizar la obra, tendremos si gusta, la “gratificación inmediata” de un público al cantarla en un concierto. El escritor en cambio, debe contar además con la soledad y concentración del lector y una reacción mucho mas tardía.¿Que hacer con esa canción que nos ha “caído del cielo” o que nos ha sometido a todo tipo de vejámenes antes de convertirse en presentable? Sé que a estas alturas quizás he borrado todo trazo de romanticismo que los lectores le adjudicaban a esta ocupación pero favor no desmayar, al final es gratificante y no deja de ser poético. La pregunta nos transporta a la siguiente fase:Lo tradicional fue siempre presentársela a un arreglista para que la volverla aún mas presentable a un público y a un mercado que lo exige. Nosotros nos saltamos el paso de los arreglos y entramos al estudio por lo general solo provistos con dos o tres ideas muy claras sobre como debe sonar un tema. La estructura y las bases por lo general. Preferimos hacerlo de esa manera para no desaprovechar el gran potencial que pensamos hay en lo espontáneo. No queremos perdernos la posibilidad de descubrir; La grabación se convierte en un viaje en el cual no queremos perdernos las posibilidades de lo inesperado y de los pequeños milagros que ofrece una receta de ritmos o la combinación de sonoridades que se nos pueda ocurrir en el momento.De manera que en nuestro caso, mucho de lo que escuchan Uds. En lo que respecta a instrumentación, es material concebido en el estudio o el resultado de pequeños experimentos musicales y rítmicos “in situ”.Algunas veces en un descanso de los músicos, quizás el silencio que provee el encierro y la luz tenue del estudio me facilitan percibir con mas claridad la relación de un verso con la música o se me dibuja uno que me resuelve un problema que he descubierto en la grabación. La alegría, una muy privada y solitaria, es indescriptible; de repente siento que todo cae en su lugar, el mundo, ese pequeño mundo de ritmo música armonía y palabra se convierte en un mejor lugar para vivir.En el medio de los que hacen y viven de las canciones, se dice que una buena canción es la que se puede defender y suena bien solo a voz y guitarra o a voz y piano. Según mi equipo de trabajo, hay canciones mías que se aprecian mejor a voz y guitarra y se graban así. O grabamos versiones en solitario de temas que antes han sido grabados con instrumentación. Grabar hoy día con esa desnudez equivale a firmar una sentencia en la cual se lee que jamás serán programadas en una radio comercial. Los que grabamos y trabajamos de forma independiente solemos tomar esas decisiones al margen de los mercados y a favor de las canciones.Ha sido con la complicidad de Eduardo Guayo Cedeño, músico y productor artístico de este disco que ha culminado esta parte importante del viaje; Por varios meses, en esa especie de casa del shaman en que se convierte el estudio, han pasado y convivido con nosotros toda una serie de magos y magas que han llegado a ofrecer sus pociones y encantos, a dotar las canciones de poderes extraños y literalmente, de vibraciones positivas. En estos días uno no puede estar mas que agradecido por una experiencia en la cual la gente llega a dar solo lo mejor de si.Max Urso, que también ha sido productor de mis discos, recibirá la grabación y procederá a lo que en el ámbito se le llama “masterizar”, una especie de pulido técnico pero no menos artístico, que asegura el buen sonido en los parlantes de una variedad de equipos. Por otro lado, Gerardo Midence, un artista gráfico se encarga desde ya, de darle forma a las carátulas y al arte. Luego, en nuestra oficina alguien se hará cargo de cosas mas terrenales como el envío a la fábrica del arte y la grabación madre. En unas semanas recibiremos el producto final. Por mientras, esperaremos como quien envuelto en el aroma, espera los panes mas recientes de un horno.

De Karatekas, Biberones y Dictadores

2006-10-05T10:48:00.000-07:00

De Karatekas, Biberones y Dictadores

El CD “La Casa de Las Mariposas” de Joseph Nordestal Yeco (Honduras)

Por Guillermo Anderson

Encerrar sin posibilidad de salida a una serie de personajes en un espacio y ver que ocurre, siempre fue una estrategia de los dramaturgos y novelistas existencialistas. Algo así sucede con el Cantautor Nordestal Yeco, que ha decidido encerrar en una casa en forma de CD, a una serie de personajes de su vida y a uno que otro fantasma de esos que siempre han deambulado por sus letras, para ver que sucede.

Hasta ahora, que llega revoloteando a mis manos su CD “La Casa de Las Mariposas”, había olvidado el gusto que me daba escuchar las ocurrencias a voz y guitarra de Yeco. Quizás me acostumbré a pensar que el cantautor las había arrullado y puesto a dormir de por vida sobre un petate santabarbarense; Hará mas de diez vueltas al sol que no le escuchaba ese amasijo de rabia y ternura y su especial sentido del humor. Ese con el que muerde y atrapa con gran lucidez la vida cotidiana de este país nuestro con nombre de dulce abismo.

Habitada por algunas de sus primeras canciones y otras de reciente cosecha, “La Casa de Las Mariposas”, me ha recordado lo cercano que estuve un tiempo de sus canciones y de su amistad. Me encontré de nuevo con las historias de amor y de ira que me contaba en aquel apartamento de Tegucigalpa a finales de los ochenta. Personajes como la muchacha de la cual estaba enamorado y su chiquito que pedía como dice su canción, “Sosoy con el Pipito” (leche en el biberón), las historias de personajes de su barrio y la irreverencia con que siempre ha opinado sobre política. Allí están algunos temas sobre los cuales conversábamos por horas junto al también cantautor Mario de Mezapa y la facilidad con la cual pasaba de las partituras a las matemáticas, materia en la cual siempre fui un inútil y que en esos dias Yeco estudiaba como carrera.

Como buen artista grafico que es, (otra gracia que tiene además de ser matemático) Yeco, con la voz de Gerardo Martínez en algunos temas, va dibujando una especie de comic filosófico, con súper héroes de barrio tegucigalpense y personajes históricos; Saltamontes Lee, que va a comprar el pan dando patadas karatekas a los postes de luz del barrio, comparte la casa con el Che, Sir Lancelot y el dictador Carias. Cuando nos da la noche reflexionando sobre la historia de estas tierras y sobre una que otra cosa mundana, nos sorprende la salida de una surrealista “luna marxista” que marca quizás el atardecer de una era.

El CD nos lleva de canción a canción a través de una serie de efectos de sonido que le dan al disco una característica cinematográfica y que le sirve finalmente, para amarrar las historias.

Espero que esta producción signifique un regreso a los tablados de Nordestal Yeco, pues así como están las cosas me resulta alentador que existan grupos, aunque minúsculos, de jóvenes que quieren escuchar una canción que se defienda a voz y guitarra. Jóvenes que aún no lo conocen pero para quienes este cantautor puede resultar una referencia obligada.

Ganancia es este CD para quienes nos renueva el encontrarnos en una canción con una frase honesta o con la universalidad de un personaje del barrio; “La Casa de Las Mariposas” nos recuerda que hay otras formas; formas ocurrentes profundas, frescas e irreverentes de contar la historia de este país que tenemos.

El Jazzmen Corea

2006-10-05T10:32:00.000-07:00

Sólo mencionarlo nos causa reverencia de la buena, desde los lejanos OTIS, su nombre era nuestro vaterland, y sus ensambles de jazz latino eran nuestros primeros lovemacth con la ciencia del tumbao y la religión del son montuno vestido de séptima disminuída.

Caballero de bondadosa estampa, siempre presto a la modestia, Camilo Corea es uno de los grandes músicos experimentales del país, su amorosa obsesión por el Jazz Latino parió uno de los mejores discos vanguardistas y experimentales de la región centroamericana, “Aires de Mi Tierra”, cargado de identidades y de conflictos de mitades, un disco lleno de originales cadencias, picados, floretes y toques evocadores de un nuevo panorama en el que la música Hondureña se ve sorprendida y ciruela por este desorden creador que carece de fronteras y que invalida los tamales de chivo que las cadenas oficiales y monopolios de la música nos quieren vender por su alto contenido de nutrientes musicales.

Con su segundo disco en preparación, Camilo Corea le está apostando nuevamente a la sorpresa y por supuesto al beat garífuna; y por lo que hemos podido escuchar en secreta primicia, nuevamente nos deslumbrará como aquella lejana tarde en que nos convirtió al Jazz Latino, cuando tocó España de Chick Corea bajo el mural de Prometeo en el Auditorium Central de la Universidad Nacional.

un director en la distancia

2006-10-05T10:23:00.000-07:00

La música académica o absoluta -como diría Wagner- no es solamente un mapa de notas musicales en un manuscrito sin vida y, aunque muchos la han tratado de limitar en esquemas filosóficos, atribuyéndole un predeterminado uso funcional, la música al final es un arte y debe ser universal. Ejecutar una pieza musical o dirigir el tiempo de una obra no quiere decir necesariamente que se esté haciendo arte, como tampoco imitar el folcklore es hacer nacionalismo. No estoy hablando aquí de las dinámicas establecidas por los compositores, ni de la teoría metafísica nietzscheriana.

Aquí quiero simplemente ilustrar en la tarea de una buena interpretación musical. Para llegar a este nivel un artista necesita tener la capacidad de poder, en primer lugar dominar técnicamente su instrumento y perfeccionar las siguientes características básicas; ritmo, afinación, punto de sonido, estilo e interpretación.Rítmicamente el artista debe tener la capacidad de respetar lo que el
compositor ha plasmado en su obra, si hay que hacer ritardandos, rubatos, respiraciones, calderones etc. se tiene que hacer respetando el tiempo, el período y estilo del compositor; ejecutando lo escrito en general con precisión matemática. Así de esta manera si, por ejemplo, los ejecutantes son de una orquesta o un grupo de cámara los movimientos harmónicos podrán encajar exactamente dentro de los acordes previstos.

De lo contrario los sonidos chocarían cacofónicamente. La afinación es determinante para que una obra cobre vida y esta es más difícil de lograr en los instrumentos de cuerda y viento. En verdad el artista que conquista una buena afinación logra mágicamente crear el sonido. Es a través del sentir de los dedos en los instrumentos de cuerda, o en los de viento, la manera de soplar o manipular las embocaduras, cañas, y labios, que se logra mejorar la afinación. Para arribar a esta fina altura el instrumentista tiene que trabajar disciplinadamente día con día concentrándose en cada nota musical, verificando su afinación con un instrumento ya de sonido determinado, un piano por ejemplo. El que canta debe de producir cada tono en una sola acción, el querer buscar la nota produce lo que llamamos mala afinación.

El mismo principio se aplica a los instrumentos. O sea no basta con saber donde debería estar el tono, se tiene que tener la seguridad de producirlo exactamente en el mismísimo momento en que se requiere y, no después cuando se sintió de tono bemolado o sostenido. Punto de sonido se refiere a que el sonido debe de producirse con la calidad sonora del instrumento a ejecutar. El punto de partida del sonido debe de ser concreto, definido, y puro. Debe de producirse en una primera ejecución, no puede comenzar tibiamente, está obligado a ser sonoro y exacto. Esto se logra con el desarrollo técnico del arco en los instrumentos de cuerda y en los vientos con el perfeccionamiento de la técnica de embocadura y labios. Acerca de estilos, el intérprete debe en primer lugar, estudiar a profundidad la historia de la música, cada época establece una manera propia de estilo. Además un artista necesita escuchar permanentemente las diferentes versiones de la obras a ejecutar, lo mismo que el oyente busca nuevas interpretaciones en las obras de predilección, de esta manera poder discernir mejor de qué modo se hará la ejecución de cierta obra. La música de Vivaldi por ejemplo es diferente a la música de Beethoven; la primera es barroca y la siguiente del periodo clásico. Además cada época tiene su propia característica de
ejecutar sus dinámicas, adornos musicales, tiempo, dirección melódica y harmónica etc.

Finalmente la interpretación es el punto artístico que el ejecutante imprime en la obra. En ella él tiene que medir hasta dónde puede llegar sin robarle a la pieza su propia identidad. No es poniendo cara triste o alegre que se interpreta una obra o que en el momento más tierno o sublime de las melodías el ejecutante cierre los ojos y muestre una furtiva lágrima como en el *Concierto Barroco* de Carpentier* Por otro lado, según la teoría de la deconstrucción todo lo que hagamos va tener estampado algo de nuestra humanidad algo así como el ADN. Finalmente ¿cómo hacer que lo que se ejecute no suene cuadrado, sin dirección melódica? ahí estriba la experiencia
artística y es aquí en donde se pondrán en práctica todas estas técnicas adquiridas de ritmo, afinación, punto del sonido, estilo e interpretación.

Los ecos de Sergio en la Lejania

2006-10-05T10:16:00.000-07:00

Sergio Rodriguez is native of San Pedro Sula, Honduras. He began his music studies in violin at the Victoriano Lopez Music School. In December of 1986 Rodriguez came to the US invited by the Vermont Symphony Orchestra, and as protégée of the Clendeninng's family in New Hampshire. He received his musical education at Southeastern Louisiana University, University of Kentucky, and the Longy School of Music, Mass. His playing experiences include Concertmaster of the Honduras National University Chamber Orchestra, The Central American Youth Symphony Orchestra, San Salvador. The Baton Rouge Symphony Orchestra, Lexington Philharmonic, Hanover Chamber Orchestra, New England Philharmonic, Dartmouth Symphony Orchestra, Vermont Symphony Orchestra, The Honduras National Symphony Orchestra, and Harvard Radcliffe Symphony Orchestra in which he toured Bangkok, Singapore, Malaysia, and Hong Kong. He has appeared in recitals in Honduras and the US. While in Honduras, Mr. Rodriguez published articles about the Honduras' music environment in the cultural page of El Heraldo news paper and his own "Ad libitum" column in the El Peridico news paper.He has appeared at music festival such as: Central American Youth Symphony Orchestra festival, San Salvador. Costa Rica Music Festival, Honduras Music Festival, Chautauqua Music Festival, NY. He was artist in residence at Chalmette Discovery Summer Program in Louisiana. He was founder of The National Youth Chamber Orchestra in Tegucigalpa, 1995 As conductor, Sergio Rodriguez has directed the SLU String Orchestra, The Acadiana Symphony Youth Orchestra, guest conductor of The Southwestern Louisiana University Orchestra, and conductor of chamber orchestras in Tegucigalpa. During the summer of 1998 he was accepted for Conductor Fellowship of the prestigious South Carolina Conductor's Institute. As a composer, Rodriguez has written music for chamber orchestra, musicals for children, and arrangements of Honduras' music. Some of these original works and arrangements follows the style of eclectic composer and arranger Ivan Silva using the rhythmic elements of traditional folk songs and native dances. In some pieces, the music portrays the dynamic rhythm of Honduran Garifuna culture thus fusing a global identity as a part of the Honduras' Music. He is Currently an Orchestra Teacher in the Dougherty County School System, founder and conductor of the Dougherty County Youth Symphony Orchestra. He performs regularly with The Valdosta Symphony Orchestra, The Macon Symphony, and The Albany Symphony Orchestra. His teaching career spans from different spectrums of the music field. He taught for five years at the Magnet School for Music and Children the Carl Orff System, Tegucigalpa, Honduras. Taught at the National School of Music (violin, viola, music theory) and founded and conducted the School Chamber Music Orchestra. Taught at The National Conservatory of Music Francisco Dias Zelaya (violin, viola) and conducted the School Chamber Music Orchestra. Taught at the Honduras National University (violin, viola) and music theory. Upon arrival in the US he taught at the String Academy at SLU and conducted the String Chamber Ensemble. Taught at the Acadiana Conservatory of Music in Lafayette, Louisiana (violin and viola)

Rodriguez won first prize as conductor of the First Children Chorus Competition, San Pedro Sula, Honduras. He was awarded the Diploma of Achievement from the National School of Music and the Highest Diploma of Achievement from the Honduras' Ministry of Culture. Honored with a plaque for Outstanding Support for the Music Students of Dougherty County, Darton College, Second place at Music In The Parks Festival 2003 Fl. Recently after his second nomination to Who's Who in America, his profile has been chosen to be published in the 2005 edition.

Oye Poncho!!!!!!!!!

2006-10-05T10:13:00.000-07:00

El conguero Poncho Sánchez dice que la primera vez que escuchó el ritmo del jazz latino fue cuando era niño. Sánchez recuerda el sonido que hacían sus hermanas mientras bailaban al ritmo de la música de Machito, Tito Puente y Cal Tjader que escuchaban por la radio. Ahora, Poncho Sánchez es uno de los nombres más conocidos del jazz latino. No es necesario ser latino para disfrutar su música, cualquier persona sensible a la música festiva y alegre de espíritu puede enamorarse de ella. “Mi música es muy espiritual y muy feliz, te hace sentir bien”, dice Poncho Sánchez. Poncho, como la mayoría de la gente lo llama, grabó más de 20 álbumes, incluyendo al ganador del Grammy en 1999, Latin Soul. Fue nominado cuatro veces antes de ganar el Grammy. “Fue genial, realmente fue genial, pero personalmente pienso que era tiempo de que me lo dieran”, dice Poncho. “Fui a la entrega pensando, bueno, tú sabes, yo creo que es tiempo de que me den el Grammy!”. Lo mejor de ganarlo, dice, fue conocer a Chucho Valdez, fundador y líder de Irakere, y tocar junto a Buena Vista Social Club. “Eso fue para mí, el valor agregado de ese año”. Poncho es un punto de conexión con los maestros del jazz latino como Tito Puente, Dizzy Gillespie y Machito. Para inspirarse recurre a su colección de videos y discos viejos de estos pioneros. Los mira y los escucha. “Allí es donde mi alma se enciende para hacer algo diferente, nuevo… es viejo, pero es nuevo”, dice Poncho. Es por ello que en su próximo álbum interpretará dos viejas canciones de Ray Charles pero con ritmo de cha cha chá. Además de la música tiene otro amor. Poncho ama cocinar usando las recetas de su familia, las que aprendió mientras crecía en California. Cuando se juntó con Chuck Silverman para hacer los arreglos finales al libro The Poncho Sanchez Conga Cook Book preparó la comida para ambos, “Le hice arroz, frijoles, carne con chile y con papas, y compré las tortillas... él no podía creer que yo hubiera hecho esa comida”, dice Poncho. El barbudo y jovial conguero aprendió el arte de cocinar de su madre. “Su especialidad era la comida mexicana, me enseñó a hacer todo desde las bases”, recuerda. Fuera de la cocina y en su estudio, Poncho Sánchez y su banda crean ritmos bailables que encienden el alma. Su música es una fusión de las culturas negra, latina y anglosajona. Son los maestros de este híbrido que es el jazz latino. En Latin Spirits, Poncho reúne a todas sus influencias musicales. El resultado es una colección ecléctica que tiene el piano de Chick Corea, el estilo del blues y el R&B de Dale Spalding y, por supuesto, el mambo y el cha cha chá de Poncho. Poncho sigue la mejor tradición de jazz en el sentido que el músico de jazz toma una composición muy conocida agregándole algo nuevo. “Poncho extiende a Cal Tjader, Cal Tjader extendió a Chano Pozo… se trata de interpretar y expandir, se trata de improvisar”.

La musica siempre es un buen viaje

2006-10-05T10:02:00.000-07:00

Primero perdón por el acento de música, y segundo bienvenidos a este blog informativo sobre la música nacional, regional, y continental. Trovadicta Latinoamerica intinerante pretende ser una ventana, no somos un sitio de trova-aflicción o de Charanguito venceremos, hay cabida para todo tipo de música siempre que esta esté construida como un perfecto edificio como decía el padre del folklore brasileño Heitor Villalobos, bienvenidos sean a este blog musical donde la música siempre es un buen viaje.